서로 다른 것의 공존과 조화는 이 세상 모든 것들의 존재 방식이다. 우리가 살고 있는 세계는 성(聖)과 속(俗)이라는 양극의 개념이 공존하는 곳이다. 성과 속의 구분은 고대 원시시대부터 존재했고 그 개념의 발생이 동시에 일어난 것인지, 아니면 하나가 다른 하나를 양산한 것인지에 대한 의견들은 전문가들마다 다르게 제시한다. 그 기원이 어떻든 간에 두 개념은 긴 역사 속에서 서로 다른 장소와 존재를 지칭해왔는데 성스러움은 종교적인 것, 신적인 것, 자연과, 세속됨은 일상적인 것, 인간적인 것, 민속적인 것 등과 연결되어 이해되어졌다. 물론 이 두 개념은 상호의존적이라 상대적인 관계 속에 놓여있다. 예를 들어, 과거 숭배의 대상이었던 신의 역할을 동시대에서는 아이돌 스타들이 대신하고 있기에 성과 속의 개념 구분에서 신과 인간을 대립시키던 관점은 무너지고 변화할 수밖에 없다.

본 전시는 성과 속이라는 대립적인 두 개념을 예술, 대중문화, 노동 등 확장된 범주에 적용시키고, 이 두 개념이 동시대 미술에서 어떻게 정립되고 있는지를 세 명의 작가, 신미경, 이정형, 홍경택의 작품을 통해 살펴본다. 동시대 작가들에게 이 개념은 어떻게 받아들여지고 있고, 이들의 인식은 전통적으로 두 개념을 구분 짓는 방식과 어떻게 다른지, 그리고 그렇게 구분되는 각 범주에 속하는 오브제나 이미지, 단어들을 작가들은 어떤 방식으로 작품 안으로 끌어들이고 있는지를 탐색하는 것이다. 이 전시를 통해 많은 것들의 경계가 무너진 지금 이 시점에도 여전히 굳건하게 존재하는 성과 속의 의미를 재고찰 할 수 있을 것이다. 즉, 이 전시에서는 과연 성과 속의 근원적 의미는 무엇이었으며 이것의 의미를 고정시키지 않고 유연하게 사유하려는 동시대 예술가들의 관점들과 전략들은 어떤 것들이 있는지를 이야기한다. 어쩌면 성과 속의 구분이 여전히 존재한다는 전제 자체가 잘못된 것이라는 사실을 밝혀줄 수도 있다. 또는 성과 속의 개념이 당대 사회로부터 비롯된다는 주장에 근거하여, 참여 작가들의 작품을 통해 우리가 사는 사회를 들여다볼 수도 있을 것이다. 전시 제목인 ‘전혀 다른Utterly Separate’은 양극에 놓인 두 속성을 가리키는 동시에, 이미 혼합되어버린, 그래서 더 이상 전혀 다르지 않은 속성에 대한 반어법적 표현이다.

어쩌면 서로 다른 두 속성을 구분 짓는 경계는 종이 한 장의 두께만큼 얇고 연약한 것일지도 모른다. 어떤 관점에서 성스러움은 원초적으로 존재하는 속성이기보다는 인간이 만들어 놓은 개념에 가깝다. 그리고 여기에는 영원성을 지닌 것에 성스러움의 후광을 덧씌우려는 의도들이 숨겨져 있다. 신미경의 작업은 일상의 어떤 사물들보다 더 빠른 속도로 사라져버리는 비누라는 재료를 선택함으로써, 기능성과 일시성을 삭제하고 희귀성과 영원성을 담보하려는 예술계의 전략과 시도들에 저항한다. 이번 전시에서 소개되는 ‘번역 시리즈: 백자’, ‘화석화된 시간’ 및 ‘화장실 프로젝트’의 작품들처럼, 그가 외형적으로 재현하고 있는 도자기, 불상 및 각종 유물의 형태들은 초월적인 가치를 가진 것 또는 성스러운 것으로 공인된 것들이다. 그러나 그것들을 쉽게 소멸하는 재료로 재현함으로써 미술사의 전례들을 비켜 가는데, 아이러니하게도 사라지는 속성이 바로 그의 작업을 예술작품의 영역으로 편입하게 한다. 이러한 비누로 만들어진 예술품은 지상의 세계에 영원하거나 또는 절대적인 가치의 성역이란 어쩌면 없을지도 모른다는 것을 선언하는 것처럼 느껴진다. 신미경의 작업이 갖는 여러 의미들 중 하나는 ‘기능성’이 사라짐으로써 예술이 ‘되는’   관습과 제도에 대해 주목하면서 우리가 성스럽고 초월적 가치로 상정하는 것이 실제로는 영원성에 대한 갈망으로 만들어진 인위적인 개념일지도 모른다는 사실을 환기시켜준다는 점이다.

작가인 동시에 전시 디자이너, 전시 조성업자로 활동하고 있는 이정형은 전시가 만들어지는 여러 사회  제도적, 물리적 맥락들에 관심을 갖고 탐구한다. 자신의 개인적인 경험을 기반으로 예술과 노동이라는   상반되어 보이는 두 개의 영역을 함께 다루면서 주목받았던 초기 작품들에서 나아가 현재는 점점 확장되고 있는 예술 산업에 대한 논의들로 주제들을 넓혀가고 있다. 최근의 작품들에서는 예술과 전시가 어떠한  환경과 조건에서 성립되는지를 질문한다. 일반적 인식에서 비실용적인 영역과 실용성을 추구하는 영역은 완전하게 구분되어 있다. 이 둘은 전혀 다른 것으로 이해되어 왔지만, 전자에 속하는 예술의 영역과 후자에 속하는 산업의 영역은 전시를 만들어내는 일련의 작업 과정에서 경계를 찾을 수 없을 만큼 긴밀하게 연결되고 하나의 직물처럼 얽히게 된다. 이 중첩된 지점에서 양극의 영역을 오고 가는 이정형은 전시가 만들어지는 과정에서 나온 부산물을 그대로 또는 재조합하여 설치하고, 전시 현장의 기록들을 작품화한다. 때로는 전시장의 중요한 요소인 벽과 작품을 보호하기 위해 설치된 장치들을 탐색하기도 한다. 이번 전시에 소개되는 ‘현장 보고서’는 ‘예술가’로서가 아니라 ‘전시 디자이너’로서의 일하는 과정들을 사진과 글로 기록한 것들이며 보이는 전시 모습의 이면을 보여준다. ‘쌓인 좌대’는 전시장에서 수집한 좌대들을 조각의 형태로 쌓아 올린 것이다. 그의 작업은 서로 다른 영역의 수평성을 드러내며, 완전하게 독립된    영역은 존재하지 않음을 시사한다. 또한 ‘근본적으로 전시라는 것은 어떤 제도적 틀 속에서 만들어지는가?’ ‘그 속에 성스러움과 범속함을 가르는 보이지 않는 벽은 존재하지 않는가?’를 질문한다.

 홍경택은 그의 대표적인 연작 ‘훵케스트라(Funkchestra)’에서 대중문화의 감각적인 세계와 순수 미술의  영역을 절묘하게 결합시킨다. 훵케스트라는 이미 잘 알려져 있듯이, 영어 단어 “Funk’ 또는 ‘Funky’와 ‘Orchestra’를 합친 것이다. 이 연작에서 가장 돋보이는 것은 텍스트와 이미지의 조합인데, 디자인적 요소를 띠는 패턴화된 이미지 위에 Love, Hope, Time, Fuck, Fire, Sex와 같은 대중매체에서 쉽게 접할 수 있는 단어를 전경에 배치한다. 또한 마릴린 먼로, 존 레논과 같은 대중 스타가 고흐와 같은 예술가들처럼 작품 속 구심점 역할을 하며, 이 인물들로 인해 작품은 마치 중세의 이콘화를 연상시킨다. 여기에서 화면의 구조는 매우 특별한데, 캔버스의 네 부분에 놓인 글자들을 하나씩 따라가면서 단어의 정체를 파악하는 순간, 단어에 내재된 코드와도 같은 의미들이 중앙에 위치한 도상과 함께 해석되도록 만든다. 훵케스트라는 단순하면서도 말초적인 감각에 의존하는 듯한 대중문화를 전면에 내세우면서도, 실은 무엇이 인간의 본질이며 성스러운 것과 세속적인 것의 경계는 어디에 있는지에 대한 종교적이고도 철학적인 질문을 하고 있다. 이번에 소개되는 신작 ‘Fire & Fury’에서는 미국 전임 대통령인 트럼프에 대한 폭로를 담은 한 저널리스트의 동명의 책 제목과 86년에 발표된 마돈나의 노래 ‘Love Makes the World Go Round’에서 Love가 Hate로 바뀌어 등장한다. 일종의 반어법처럼 차용된 이 팝송의 제목은, 이질적인 영역에 놓인 정치와    대중문화의 각각의 서로 다른 본질적인 목적과 변질되어버린 또는 변형될 수 있는 의도들을 상기시킨다.